La única reina del Aqua-Musical

"WET, SHE'S a star. Dry, she ain't!"

Fanny Brice

Bergman sobre "Casablanca"

Todos hemos gozado con la maravillosa obra maestra "Casablanca" alguna vez. En ocasiones pronunciamos algunas de sus famosas frases, recordamos su melancólica "As time goes by", celebramos la despedida más sorprendente de la historia del cine o reconocemos a algún que otro actor secundario en otras producciones.

De Rick, admiramos su romanticismo envuelto en la piel de un duro e individualista norteamericano decepcionado. De Ilsa gusta todo, desde la dulzura de su tez hasta la actitud preocupante, inquieta y tensionada que luce durante toda la pelicula desde la fatal reunión en el Café de Rick hasta el momento de la despedida en aquel brumoso aeropuerto.

Mucho se ha escrito, se ha hablado y se ha discutido sobre esta obra maestra del cine clásico por lo que no es mi intención prolongar y confirmar las mismas reflexiones de siempre. Me parece más apetecible reproducir aquí, partes de una entrevista que le hizo el productor Richard J. Anobile a la actriz Ingrid Bergman en la que se recoge algunas de las claves para conocer un poco más la película y una visión particular sobre la misma.

De cómo David Selznick intentó convencer a Bergman para protagonizar a Ilsa Laszlo:

Un día me llamó y me dijo: "tengo un papel maravilloso para ti. La Warner Bros está haciendo una película titulada Casablanca y vas a ser la mujer más maravillosa de esa ciudad. No sé de qué trata, pero me alegra mucho que la hagas porque vas a ir muy bien vestida".  Yo estaba un poco confusa y le dije "pero no me puedes convencer de que haga algo que no sabes de qué trata! A lo mejor el papel no es bueno..."

Del desorientado rodaje:

No sabíamos lo que íbamos a hacer de un día para otro. A veces estaba molesta. Se trataba sólo del esqueleto de una película y lo trabajábamos día a dia. Yo tenía el problema de que había dos hombres (Paul Henreid y Humphrey Bogart) enamorados de mi, así que les dije a los guionistas "con cuál de esos dos hombres termino?. Y me contestaron: "todavía no lo hemos decidido, así que rodaremos dos finales".

Llegamos al final de la película y cuando rodamos el primer final, en el que Claude Rains y Bogart se pierden en la niebla, nos dijeron que aquello era todo y que no era necesario rodar el otro final. Con toda esa confusión teníamos muy poca confianza en la película. Para gran sorpresa nuestra ganó en los Oscar.

De Bogart:

No le gustaba demasiado los cambios en el guión. No le conocí mucho, le besé pero no le conocía. Solía encerrarse en su remolquey rodeaba de amigos y hombres de negocio y gente así. No estaba de buen humor. Pero era un compañero excelente porque trabajaba a fondo. Yo siempre quise trabajar con él aunque me asustaba, así que volví a ver "El halcón maltés" varias veces para acostumbrarme a él.

La última vez que vi a Bogart fue en Italia, cenamos junto a otros amigos y se mostró molesto porque yo hubiera dejado Hollywood para dedicarme a rodar películas italianas que en aquella época no tenían ningún éxito. Recuerdo que le dije: "Soy una mujer muy feliz, lo que tal vez sea tan importante como ser cabeza de cartel en Norteamérica."

 

De la decepción de rodar en los estudios:

Todo era falso. Todos los árabes y toda la gente de Casablanca eran extras disfrazados. Recuerdo que les rogué al productor y al director que fuéramos a Casablanca pero estábamos en guerra y no resultaba fácil viajar allí por lo que todo fue rodado en los estudios de la Warner.

De la reacción francesa:

En París, cuando se estrenó, no les gustó. Les desagradó el punto de vista político. La quitaron enseguida, pero hace poco volvieron a estrenarla en cinco cines de París como una película nueva, resulta extraño.

Del elegante vestuario:

Intervine en la elección del vestuario. Había una serie de diseños que discutí con el director y el productor y nos pusimos de acuerdo entre los tres. Todos los vestidos que llevo en Casablanca podría llevarlos hoy.

De la versión de Allen:

He visto "Sueños de seductor" y quise comprobar quién dice "play it again Sam" en Casablanca. Comprobé que ninguno de nosotros dice exactamente esa frase, pero la película de Woody Allen era muy divertida.

Del paso del tiempo:

La película años después sigue teniendo atractivo debido a los elementos sentimentales y a la glorificación de la "Marsellesa" y todas esas cosas. A la gente le gustan esas cosas, algo en lo que se equivocan las peliculas modernas. En Casablanca hay de todo, desde amor a heroísmo y asesinato....tiene un tempo muy acertado. Hay mucha acción, no hay ni un momento muerto.

Chinatown, ganadora del género neo-noir

Críticos de cine y expertos en la materia de los prestigiosos periódicos británicos "The Guardian" y "The Observer", han elevado a la película "Chinatown" a lo más alto del podio del cine negro contemporáneo.

Peter Bradshaw considera que la pelicula "es una poderosa pieza de crear mitos, una brillante evocación al desierto espiritual de Los Angeles". Para Philip French "casi alcanza la perfección" con un final para la historia "olvídalo Jake, es Chinatown"

Para algunos, esta es la pelicula que consolida la reputación de Jack Nicholson como el mejor actor americano de su generación. También fue la última pelicula que rodó Polanski antes de su marcha del país. Ya sólo por estas dos características merece ser revisada.

El excelente guión de Robert Towne (a quien también atribuímos Bonnie and Clyde) no dejó de ser reconocido por la Academia quien le premió con el único Oscar de los 11 a los que aspiraba en el año 1974.

                               

‘Chinatown’ es un claro homenaje al cine de la vieja escuela: muestra el periodo del cine negro coloreado de California. Combina una historia que mantiene la intriga pero es devastadora. El contexto es el de un detective privado resolviendo un caso que es en esencia, un asesinato que conecta con el mundo del poder y el dinero.



Como la mayoría del trabajo de Polanski, la historia es sencilla pero el detalle y la temática complicada. No nos encontramos con un perfil solitario tipo Marlow ocupando una oficina mediocre. Gittes es un detective exitoso con dos ayudantes en nómina, es civilizado, viste bien y es inteligente. Posée también sin embargo dos de las cualidades indispensables en su labor detectivesca - es profundamente cínico sobre la naturaleza humana y sigue su propio código al que se ciñe sin titubeo.



 

      Jack Nicholson como el detective JJ Gittes en la película Chinatown.

Estas tramas funcionan mejor cuando comienzan siendo tremendamente complicadas y terminan con una lógica aplastante, sin embargo, la pelicula es un proeza, es una película de época - los coches, el vestuario etc..aunque tras los primeros 15 minutos, nos olvidamos de esta estética y nos implicamos en el misterio de la historia.

La pelicula depende tanto de su desenlace, que no sería justo describir mucho más sobre la trama. Uno de sus encantos es apreciar cómo el goteo de comentarios, alusiones y pistas van reconstruyendo el contenido del crimen.

Por último: ¿Cómo se puede llevar una tirita en la nariz durante más de media hora de pelicula y no producir una carcajada? sólo Nicholson nos lo puede demostrar en Chinatown, una película según Boris Izaguirre "incestuosa, rara y perturbadora".

15 minutos con Mateo Gil

Hice trampa, fue fácil. El vino a Santander a pre-estrenar su segunda película como director: Blackthorn dado que el reparto incluye a Eduardo Noriega y es de aquí.

Hubo presentación inicial, comentarios posterior a la peli y finalmente un ágape con champán, ibéricos y copas en una conocida discoteca santanderina para socializar. En este marco surge mi encuentro con Mateo.

La fórmula es sencilla: Santander+pequeño+amigos y conocidos+nuestro común origen canario = 15 minutos de conversación sobre cine y vida con Mateo Gil. Una anécdota constructiva que quiero compartir con vosotros.

Mateo es reservado y consigue pasar desapercibido y más aún si revolotea Noriega por las proximidades. No le preocupa ni lo más mínimo, es más, parece que hasta lo agradece. Se apalanca en una butaca y observa, sobre todo a las impresionantes camareras escasas de ropa y abundante maquillaje que ofrecen surtidos de canapés y copas preparadas a petición de los asistentes.

Tras un par de estas copas y en estado de recepción, mi amiga me facilita el encuentro. Lo primero que llama la atención es su rasgo más evidente: sus ojos color verde cristalino susceptibles de ser distraídos atendiendo a la curiosidad. Lo segundo, la cercanía y facilidad de trato, sin estrecheces, hablando con libertad y sereno, muy sereno. Lo tercero: su acento canario inexistente, él mismo lo admite cuando yo le pregunto: - "¿dónde lo dejaste olvidado? - a lo que el me responde que "es una lástima pero llevo demasiado tiempo fuera y sólo lo encuentro cuando hablo con mi madre por teléfono".

Nuestra primera conversación gira en torno a las zonas de Las Palmas en las que nos criamos. El nació en Telde aunque su infancia y juventud la vivió en un barrio de Las Palmas, el cual yo no recordaba por mucho que el se esforzaba en describir y ubicar. Conseguí desviar la conversación hacia lo que a mi me interesaba realmente después de haber visto la película: Stephen Rea. Le confesé que me había sorprendido gratamente su participación en la película y que quería saberlo todo de él.  Mateo sonríe aunque seguramente ocultando una lamentación!. Aún así, me dedica los próximos 10 minutos restantes en los que profundiza sobre la película:

- El también es un gran admirador de Rea. Me cuenta que Rea accedió gracias a Sam Shepard del que es gran amigo y que no fue nada difícil dirigirle, porque casi no lo tuvo que hacer. Rea es un actor de escuela, con técnica suficiente y registros más que apropiados para el papel de MacKinley.

Entre Rea y el resto, fuimos interrumpidos por otros interesados que querían conocerles. Yo presentí el final de nuestra charla, sin embargo no fue así. Despachó, se giró hacia mí y retomamos dónde lo habíamos dejado.

- En cuanto a la arriesgada apuesta por un western, en Bolivia y en el año 2011, Mateo confirma que es algo inevitable, pero que cuenta con ello y que se conforma con una buena aceptación general. 

- La inspiración: le propongo "Centauros del Desierto" o cualquiera de Ford. Me responde que una de Ford si, pero que "Centauros" no!.  Me atrevo con "Pasión de los fuertes" y acierto. Es una película que le sugiere todo lo que debe contener un western antológico.

- Cambié de tercio, quería saber más de el y menos de su obra, asi que opté por comparar su faceta de guionista con la de director. Mateo señala que no tiene preferencia, que es todo cuestión de inspiración y actividad. Para dirigir tienes que estar en forma en todos los sentidos, quizás para escribir puedes estar en modo off y a tu ritmo.

- Finalmente hablamos del reportaje que había leído casualmente el fin de semana anterior en el País Semanal. Opiné que siempre hubiera puesto la mano en el fuego a que no se prestaría nunca a protagonizar el solito un reportaje en un medio asi que ese look vaquero en la portada es toda una revolución en tu vida?.  Se ríe y contesta: uf! no me queda otro remedio, es parte de las reglas del juego etc...de todas maneras, fue fácil decidirme: se trata de "El País Semanal" nada más y nada menos..!.

Bueno, pues hasta aqui (aunque seguro que algunos detalles interesantes me dejo por el camino). Termino con una recomendación esperada:  ver Blackthorn os guste o no os guste el western, porque hasta Noriega está correcto.

http://www.elpais.com/videos/cultura/Blackthorn/pelicula/completa/elpepucul/20110701elpepucul_1/Ves/ 

La mirada de Levinson a Vietnam

El 30 de Abril de 1975, con la caída de Saigon finaliza una de las guerras más sangrientas y populares de la historia de las estúpidas y ridículas guerras, la de Vietnam. Desde entonces se han rodado unas 150 películas o bien sobre el propio conflicto, su drama, belicismo y desesperación, o bien sobre lo que se generó en ese contexto y/o como consecuencia directa del mismo. Pero incluso cuando la guerra se encontraba en su máximo apogeo en 1968, Hollywood se sube al carro de la propaganda anticomunista estrenando una película dirigida y protagonizada por un firme partidario de la guerra, John Wayne, implicado y sensibilizado con lo que había visto en una de sus visitas al frente: "Los boinas verdes".

Le siguieron exitosas producciones como "Apocalypsis Now", "El Cazador", "Platoon", "La chaqueta metálica" y "La colina de la hamburguesa" pero justo entre estas dos últimas, se estrena en 1987 la película que aquí nos acontece, quizás la menos violenta de todas y junto con "Forrest Gump", la más cómica y musical:

¿Quién no ha pronunciado alguna vez la pegadiza frase que da título a...?

¡¡¡¡GOOD MORNING VIETNAM!!!

Robin Williams, talentoso camaleón de la gran pantalla. Es un crisol de acentos y personajes. Al igual que Groucho,  parece utilizar la comedia como estrategia para ocultarse a si mismo.

Muchos opinamos que esta puede ser su mejor interpretación. 

Barry Levinson creó un disc jockey, hábil y rápido hablador, transmisor de humor a traves de la radio de las fuerzas armadas durante la guerra de Vietnam dirigiendo un monólogo ininterrumpido desde las ondas.

Lo llamativo es que no sabemos nada sobre el personaje. No sabemos su origen, lo que hacía antes de la guerra, su situación sentimental etc..Todo en su mundo queda reducido a material para su programa. Como punto de partida, Levinson utilizó el guión de Mitch Markowitz para muchos de los monólogos de Williams y dejaba que el actor improvisara el resto. Después juntó las mejores partes de diferentes tomas para crear las secuencias mas innegablemente graciosas y convirtió a Williams en un virtuoso del humor rápido.

Viniendo de uno de los guionistas de la  serie de televisión, "M.A.S.H": Mitch Markowitz, la historia Adrian Cronauer (Robin Williams), un dj del Servicio radiofónico de las fuerzas armadas americanas, aterriza en Saigón con el objetivo de inyectar una buena dósis de moral y ánimos a los chicos del frente.  Cuando no está "on the air", Adrian corteja a una joven Vietnamita de la cual se enamora y por la que debe luchar contra su hermano y sus superiores. Para conquistarla, Adrian tendrá que someterse a una serie de situaciones de las que saldrá convertido en una persona más humana y con más conocimiento sobre lo que acontece a su alrededor.  En esta película Adrian cambia, la guerra borra la sonrisa de su cara, su humor se vuelve  una herramienta humanitaria. Todo esto envuelto en música y elementos cómicos que ponen en jaque la soberana seriedad y dureza de las peliculas de este género.

En cuanto a la temática implícita, existen argumentos que apuntan a que la reinvidación que subyace en la película es la de que los cómicos en general son personas inseguras de baja autoestima. ¿Como tratar la baja autoestima? haciendo cosas estimables y atribuyéndotelas después y eso es lo que le ocurre a Williams en esta película. Hacia el final de la película deja de ser chistoso porque no lo necesita, está más seguro, no siente lástima de si mismo.

La historia está, hasta cierto punto, basada en la realidad, pues existió un dj llamado Adrian Cronauer que trabajaba para la radio de las Fuerzas Armadas en Saigón durante la guerra de Vietnam. Pero aparte de estos datos, el resto es ficción, incluído los compañeros:

Forrest Whitaker "es" la mano derecha Adrian, y digo "es" porque no creo que le haya costado demasiado interpretarlo, lo borda, parece que el personaje se ha basado en el y no a la inversa. Un personaje de un sentido del humor fácil y agradecido algo nervioso y caritativo al que es imposible no adorar. Whitaker también figura en otra de Vietnam: "Platoon", también merecedor de reconocimiento aqui.     

Cualquier fan de la música de los años 60 podrá deleitarse con la bondadosamente escogida selección de temas para la banda sonora imprescindible que incluye canciones tan memorables como “I Get Around,” “I Got You (I Feel Good),” y “Nowhere to Run".                    

Para terminar, sólo recalcar la inteligencia de Williams y Levinson al lograr crear un personaje que es realmente tan ingenioso como se supone que tiene que ser y para muestra, recomiendo no perderse una posible improvisación de Williams en la secuencia en la que representa obscenidades típicamente americanas a sus alumnos Vietnamitas en clase de inglés.

Mi foto de Ursula

Tras interpretar a Honey Ryder en  la primera   aventura del agente 007 James Bond: "007 contra el Doctor No"  esta actriz de origen suizo se convirtió en icono de belleza y símbolo sexual durante la década de los 60.

Su curriculum interpretativo se reduce a unas 25 peliculas, la mayoría de ellas mediocres. Aunque la intención era convertirla en la nueva Dietrich, lo único que finalmente demostró tener en común con la gran dama era su origen alemán y unas piernas para la eternidad.

Antes del bikini en 1957, Andress decide casarse con John Derek, del cual se divorcia 10 años después cuando Derek comienza a perseguir a una jovencita Linda Evans.

Aún cuando se hizo con el Globo de Oro en 1964 a la mejor actriz revelación por su papel de Honey Ryder, su trayectoria posterior insinúa que se trata de una actriz de talento limitado, sin embargo su poder de atracción sedujo a grandes estrellas de la época, desde Marlon Brando y Jimmy Dean hasta los más tardíos romances con Jean Paul Belmondo, Warren Beaty y Ryan O'Neal le otorgan un puesto de honor entre las maestras de la seducción.

En el año 1994, quiso el destino que me cruzara con ella en lo alto de una de las escalinatas de la Piazza de España en Roma. Era una noche de verano y como cualquiera de ellas en Roma hacía un calor bochornoso.

Iba bien acompañada, recuerdo que la rodeaba un grupo de hombres de buen aspecto y ella era la única mujer; se basta. Deduzco que Andress no estaba en aquel entonces veraneando en Roma, sino que vivía allí, ya que desde que nació su único hijo Dimitri, fruto de su relación con el actor Harry Hamlin su vida transcurre en la capital italiana.

La foto no es demasiado nítida: me temblaba un poco el pulso y era una cámara noventera.    Me acerqué a ella, la saludé amablemente y aceptó que le sacara una foto y me dedicó hasta un corazoncito, debí de parecerle muy niña. Lo suyo hubiera sido que yo me hubiera puesto a su lado y que uno de aquellos hombres singulares que la acompañaban o algún miembro de mi familia (en lugar de observar mi hazaña con inquietud desde una apacible terraza romana) se hubieran ofrecido a retratarme junto a la diva, sin embargo no se dió así.

Todo ocurrió en cuestión de segundos y yo ni reaccioné a tiempo. Sólo se que le pedí que posara, ella accedió con una sonrisa y un "of course", se relajó el chaleco, se echó el pelo hacia atrás con actitud seductora y después de apoyar su mano izquierda en la parte trasera de la cintura, me lanzó un "ready" y yo me limité a hacer clik con la boca abierta.

Brenda Blethyn, musa de Mike Leigh

La Excelentísima Orden del Imperio Británico es una Orden de Caballería británica instituida en 1917 por el rey Jorge V. La pertenencia a la orden es otorgada por el rey de Inglaterra a todos aquellos que hacen algo significativo en nombre del Reino Unido. En 2003, la merecedora de tal distinguida distinción fue la gran actriz británica Brenda Blethyn.

Brenda es una mujer normal, con una vida bastante normal para ser actriz y de las grandes del Reino Unido, sin ningún altercado de importancia en su vida personal, sin fisuras en su carrera, ni curiosidades sobre su vida personal ninguna salvo que se enorgullece de haber corrido hasta tres veces el maratón inglés.

Nació en 1946 en Kent. Tras abandonar sus estudios y un trabajo secretarial en el British Rail, Blethyn se aventura a enlistarse en uno de las más prestigiosas academias de arte dramático del país - The Guildford School of Acting. Se arriesgó y ganó: en 1975 su talento es requerido por la Compañía Nacional de Teatro para pasar a formar parte de la legión elitista teatral del país. Sus interpretaciones en el escenario pronto fueron apartadas durante algún tiempo para dar la bienvenida a la pequeña pantalla, asi durante la década de los años 80, Brenda se mete en la piel de diferente personajes de series patrocinadas por la BBC2.

No fue hasta principios de los años 90 que su notable dote interpretativa comienza a ser apreciada por productores y directores cinematográficos quienes le ofrecieron papeles un tanto secundarios para toda una actriz de primera - La maldición de las brujas; El río de la vida - pero que le valieron el conocimiento y el reconocmiento del público en general.

Pero su momento de gloria y el motivo por el que este homenaje es casi una obligación se debe a su admirada y elogiada representación emocional de una mujer de clase obrera británica enfrentada a los desgraciados trastornos de una vida desafortunada en la película de 1996 del director Mike Leigh: Secretos y Mentiras.

Leigh no dudó ni por instante en sumergirla en la piel de Cynthia Rose Purley, la protagonista central de esta gran historia maginificamente filmada por Leigh. Un personaje más trágico que cómico, emocional, descolocado y conmovedor por el que Blethyn recibe los reconocimientos más significativos de su carrera. Desde la Palma de Oro a la mejor actriz del Festival de Cannes de 1996 y el BAFAT, hasta una nominación en los Oscar de ese mismo año.

Cynthia Rose es una mujer solitaria, triste y amarga llena de arrepentimientos, dolor y secretos.  Blethyn impulsa todos estos rasgos en tonos altos, ruidosos e incluso histéricos, equilibrándolos con esos momentos de ternura que transmite una vez coge confianza con su hija Hortense.

Interesante también tomar nota de una de las escenas que probablemente le valdría la certeza de merecer las nominaciones: la llamada que recibe de su hija desaparecida para anunciarle que quiere conocerla. La reacción temblorosa ante esta nueva aparición en su vida es digna de los grandes momentos interpretativos como también es alabar sin miramientos, el doblaje perfecto de otra grande del teatro español: Vicky Peña.

La grandeza de Blethyn no reside en el método, sino en la tercera persona. Siempre ha admitido que es "ella" y "su personaje", no va más allá de este principio, un método propio que se refleja en gran parte de su obra entre la que también destaca la serie británica de los años 80 "Chance in a million" junto a Simon Callow, peliculascon menor éxito del esperado junto a Michael Caine como "Little voice"  o de cine alternativo como "Saving Grace".

Brenda Blethyn ocupa un merecido lugar entre las actrices más completas del panorama cinematográfico - Julie Walters, Helen Mirren, Imelda Staunton, Judi Dench y Harriet Walter - todas ellas perfectas interpretantes de personajes difíciles, duros, problemáticos, desesperados, fuertes, carismáticos y también divertidos e irónicos si así lo exige el guión.  Larga vida a estas grandes actrices.

Enlace recomendado: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Brenda/Blethyn/inglesa/mayusculas/elpepucul/20100715elpepucul_14/Tes

Bogart por Boyero

Nunca antes había recomendado otra cosa que no fueran películas a través de mi blog, pero por esta vez hago una excepción y animo a la lectura de este artículo de Carlos Boyero sobre un grande del cine: Bogart

Un toque de infidelidad

No es Joel Schumacher director de grandes películas ni tampoco merecedor de grandes halagos aunque no se le haya dado del todo mal la taquilla, un claro ejemplo de que el éxito y la calidad no van necesariamente de la mano.

Su cine es mediocre y prescindible para los cinéfilos más exigentes pero creo que para ser un poco mas justos podríamos salvar al menos "Un día de furia" nominada a la Palma de Oro de Cannes en 1993 y una de las más destacables actuaciones de Michael Douglas por la que por cierto no obtuvo reconocimiento alguno.  También para amantes de los musicales entre las que me incluyo, su versión de "El fantasma de la ópera", cumple su función teniendo poco que envidiar a la magnífica representación en Broadway, de la que hace años pude disfrutar.

 

Al cierre de los años 80, Joel Schumacher podía presumir de haber dirigido 2 sonados éxitos en taquilla - "St. Elmo Punto de Encuentro" y "Jóvenes Ocultos" e iba camino de convertirse en el director de jóvenes promesas de moda cuando optó por dirigir un una comedia familiar de temática cómoda y poco arriesgada, la impopular y olvidada: "Un toque de infidelidad" remake de la pelicula francesa de 1975  "Cousin, cousine"  dirigida por Jean-Charles Tacchella.

Por supuesto y como era de esperar, la crítica se apresuró a proclamar la grandeza de la versión de Tacchella en comparación con la desafortunada americanización de Schumacher, algo innecesario si tenemos en cuenta no sólo la diferencia de origen cultural de ambos directores sino también el público al que va dirigido cada versión. La versión francesa es reconocida y admirada posiblemente sólo por europeos, mientras que la versión americana puede ser apreciada por toda la parte occidental del planeta al menos.

En este caso, la pelicula ocupa un puesto marginal que puede ser atribuible no sólo a la crítica que es excesivamente dura con los directores americanos fascinados por el atrevimiento francés, sino también a otros desequilibrios en la elección de los actores por ejemplo - Ted Danson no aportó la dósis de romanticismo que se requiere de un papel como el de Larry. Sin embargo, la historia es sencilla, entretenida y se deja ver con amabilidad.

Acostumbrado a grandes y bulliciosas reuniones familiares, Larry Kozinski (Ted Danson) asiste a la boda de su tío Phil. Allí conoce a la hija de la novia, Maria Hardy (Isabella Rossellini). Entablan una relación de amistad inconscientes de que tienen más en común de lo que creen dado que la mujer de Larry, Tish (Sean Young) y el marido de María, Tom (William Petersen), tienen una aventura.

Larry es un profesor de baile de salón que vive en lo alto de un restaurante chino y al que no le preocupa demasiado las posibles infidelidades de su mujer -"La gente tiene que hacer lo que sientan que deben hacer". 

Sin embargo María se lo toma en serio y al día siguiente se acerca al trabajo de Larry para preguntarle si piensa que su mujer está teniendo una aventura con su marido. En un ataque vengativo, resuelven pretender que están teniendo un romance, pero pronto descubren que no es ficticio. Y es aquí cuando comienza el flirteo pictoresco de los protagonistas compuesto de largas caminatas y baños al sol hasta que culmina en una escapada de ambos en la Harley de Larry hacia la deseada libertad. De vuelta a la realidad, sus parejas, conscientes de la nueva situación, reaccionan alarmados y comienza así un pulso entre los cuatro.

Es una película básica y de amor, si, pero también es una tarde romántica en Canadá, un paseo en Harley o un baile al son del "With or without you" de U2. 

En cuanto a los personajes, Petersen es un mujeriego comercial de la BMW, Rossellini una mujer con prejuicios consciente de que su marido la ha dejado de amar pero prefiere seguir siendole fiel y permanecer a su lado, Danson es cándido pero inspirador y Young se casó con el hombre equivocado.

El resto de los personajes son esenciales para mantener el tono y la historia, en particular el padre de Danson, un hombre con experiencia y de espíritu libre que interpreta un experto Lloyd Bridges.

Bridges se lleva las mejores frases de la pelicula, contribuyendo impagables consejos tanto a su hijo como a su nieto Mitch - un aspirante a cámara en plena pubertad interpretado por Keith Koogan.

De trasfondo, encontramos a la madre de María, Norma Aleandro - quien enviudece y se vuelve a casar en el transcurso de la película y a la tía Sofía - Gina DeAngelis-, quien borda el papel de anciana gruñona presente en todos los eventos familiares.

María es un personaje imposible de odiar, es adorable, discreta, tímida, dulce. En un escena de la pelicula, en la que Larry y ella acuerdan encontrarse "accidentalmente" en un restaurante al que acuden con sus respectivas familias, se convierte en un momento burbujeante para ella en el que debe estar a la altura de la trama. Rosselinni se presta a este personaje con facilidad, expresando su timidez y reserva con actitud seductora sólo empañada por los modelitos excesivamente monjiles que luce.

La película es un producto ejemplar de un tipo de cine que se comienza a realizar a finales de los años 80 de la mano de directores como Schumacher, John Landis, Bernardo Bertolucci, Peter Weir o Rob Reiner.

Magnolias de acero, El cielo se equivocó, Historias de Nueva York, La guerra de los Rose, Una cana al aire, Cuando Harry encontró a Sally son algunas de la larga lista que componen el legado de una época menos respetada y más despreciada que las anteriores.

Es cierto que es poco creíble - la infidelidad tratada desde la comedia es mucho menos complicada que en la vida real - pero es humorística y es ahí precisamente dónde reside la esencia de historia. Es la celebración del deseo carnal envuelto en comedia para que nadie se sienta profundamente herido. En la vida real, este tipo de desaires amoroso convertiría una reunión familiar en un baño de lágrimas y sangre pero en el mundo de "Cousins", su título original, todo el mundo sonríe y el sol parece que siempre esté brillando. 

Parte de la película fue rodada en Vancouver, Canada, y es notable la belleza de algunos de los entornos en concreto el de la casa en medio de un bosque y a hacia la que Larry y María escapan para vivir el tan anhelado momento.  Schumacher complementa la cinematografía con las melodías compuestas por Angelo Badalamenti, conocido principalmente por su trabajo en "Twin Peaks".  Su banda sonora va aumentando su fuerza e intensidad a medida que los protagonistas van desarrollando su relación, culminando en un el waltz de la escena final.  Evidentemente la película fue penada por la crítica quien la consideró un "tosco y desorientado esfuerzo por sustituir manzanas por naranjas, siendo las naranjas en este caso las actitudes morales a los que se enfrentan los franceses casi de manera natural, como algo frecuente y casual, no siendo esto nada admisible en la sociedad americana."

Para terminar, os dejo una de las mejores frases del gurú de la película, Lloyd Bridges:

"Sólo tienes una vida que vivir. De ti depende que sea mierda de pollo o ensalada de pollo"